Valente

Gosto tanto da Pixar, que já se tornou um princípio meu assistir às suas animações. Como um comando inexorável, se estreou um filme da companhia, lá estarei euzinha no cinema para conferir. A humanidade e a ternura em filmes como Up e Ratatouille endossam minha crença de que há sempre uma lição sobre nossa natureza nos longas da equipe Pixar. Que eles transmitam essas mensagens com humor e excelência gráfica é ainda mais um fator para justificar minha admiração.

Foi essa fé na Pixar que me fez assistir a Valente. O trailer havia me sugerido uma história clichê. O longa me confirmou isso. No entanto, há algo mais em Valente que supera o lugar comum e que abriga todo o valor do filme. E somente percebi isso quando li a resenha de Isabela Boscov na Veja.

Minha cegueira se deveu muito a um costume bem corriqueiro: perder o foco (sabe aquela miopia, rs?). Em Valente, me detive tanto na relação entre mãe e filha, que julguei rasa em comparação com a explorada em Enrolados, que não percebi a mudança de paradigma que o filme oferece às meninas.

É que, pela primeira vez em uma animação que trata de reis e rainhas e sua linha sucessória, encontramos uma princesa sem príncipe. Aliás, o melhor: uma princesa que não quer ter um príncipe. Valente não contribui com o imaginário feminino de que a felicidade somente se encontra em par (sem falar que esse par é ainda um ser perfeito, idealizado) ou que nosso objetivo último é a construção de uma família.

Aqui faço uma digressão. Enquanto escrevia o parágrafo acima, lembrei de um episódio que aconteceu há alguns meses. Reencontrei uma conhecida que não via há mais de onze anos. Jurava que ela era mais nova do que eu, mas na conversa descobri que tínhamos a mesma idade. Quando a ouvi falar da filha e do esposo, o sentimento de demérito foi instantâneo: me achei fracassada por não ter o mesmo. Quase ganhei mais dois anos de psicanálise por causa disso, rs, mas foi interessante ver como essa crença está enraizada, por mais que racionalmente a gente saiba que não faz sentido. Aí fica visível que é nesse momento que somos produto do meio. É nesse instante que o elemento cultural que nos compõe se evidencia.

Pois bem, voltando à Valente, acho imensamente salutar que exista um novo exemplo para nossas meninas. Quem sabe assim elas cresçam sabendo escolher o que desejam de verdade. Que bom que um filme protagonizado por uma princesa reafirme a importância de sermos fiéis a nós mesmos na busca de nossa felicidade. Com ou sem príncipe.

Os filmes de 2011

Eis que 2011 vai chegando ao fim, e se torna inevitável olhar para trás. Hoje esse olhar vasculhou os filmes que foram exibidos neste ano. Conversando com um amigo, descobri que deixei uns bons escaparem, enquanto assisti a outros que não valiam meu tempo. De qualquer forma, deu para fazer uma listinha:

O mais tosco: Conan, O Bárbaro. Fui ao cinema somente pela companhia dos amigos. O filme conseguiu ser pior do que eu esperava. Parafraseando a Isabela Boscov da Veja, pior cena de dedo no nariz ever.

O mais tenso: Santuário. Fiquei angustiada o filme inteiro. Sei de antemão que nunca vou ser mergulhadora.

O mais perturbador: Dois filmes se encaixam nessa categoria. O primeiro é Cisne Negro. O longa foi um espelho da sombra que já fui, sem falar que cutucou a ferida da mania de perfeição. O segundo é Melancolia, pelo impacto que teve e pela reflexão que trouxe.

O mais enigmático: A Árvore da Vida. Até a presente data, continuo sem saber se gostei.

O mais bittersweet: Harry Potter e as Relíquias da Morte - parte II. O fim. Preciso dizer mais? Por anos esperei ansiosamente a estreia dos filmes e os lançamentos em DVD. Harry Potter está na minha estante de livros, no meu armário de DVD e em cima da minha mesinha da sala (tenho a Varinha das Varinhas!).

O mais eu: Enrolados. Vivo cantando a música, vivo convidando amigas para vê-lo comigo. Há uma mensagem linda sobre sair da torre (no caso da Rapunzel) ou da redoma (no meu caso). Por causa da minha história de vida, Enrolados ressoa, e o faz profundamente. Não perturba como Cisne Negro porque: a) tem final feliz; b) é fofo e romântico; c) é Disney!, rs. Mas que é um filme que mostra mais do que os olhos veem, lá isso é.

Melancolia

Mais do que nunca, só leia este post se já houver assistido ao filme. Além de spoilers, não consegui costurar uma sinopse dentro do meu texto. Quem quiser saber mais, clique aqui.

Melancolia terminou e tive dificuldade de me levantar da cadeira do cinema. A inércia se devia em parte, reconheço, à náusea que me ameaçou o tempo inteiro durante a projeção. Se aquele é o estilo usual de Lars von Trier de filmar, suas obras deveriam conter um aviso para prevenir quem, assim como eu, enjoa até em viagem de carro.

Mas é claro que fiquei paralisada também pela força do filme. Houve um diálogo entre Justine e o noivo que me deixou suspensa durante todo o longa e me assombrou o resto do final de semana. De resto, o filme inteiro me foi tão impactante quanto o próprio planeta Melancolia.

Porque, no fim, acredito que é disso que trata o filme: de deixar-se impactar pela melancolia. Desconfiei um pouco de minha conclusão, pois me parece ligeiramente simplista, mas a ameaça de colisão de Melancolia com a Terra nada mais é do que a metáfora para a sujeição a esse sentimento que nos acomete. Enquanto assistia ao filme, sempre me vinha à mente como, na língua inglesa, o verbo strike é empregado tanto para se referir literalmente a uma colisão (para aproveitar o enredo do longa, The planet Melancholia will strike the Earth) quanto a ser atingido por uma emoção (e.g. Melancholia struck Justine the minute her mother opened her mouth).

E eis que a melancolia realmente atinge todos. Justine e ela já são velhas conhecidas. Espíritos afins, como me pareceu sugerir aquela cena em que a personagem de Dunst se banha da luz do planeta. É curioso ver que, a partir do momento em que Melancolia se aproxima da Terra, os outros saem de suas órbitas ao se renderem ao medo, mas é Justine que permanece centrada. Ela já conhece aquele mundo; somos nós que trepidamos ao sermos apresentados a ele.

Aparentemente, nada resiste à melancolia. Não é de forma alguma um prognóstico animador, mas não deixa de ser uma realidade, pelo menos enquanto estamos imersos no sentimento. Pelo pouco que li de von Triers, foi a realidade que ele viveu por algum tempo. Não o culpo por tentar dar vazão à sua angústia. Li uma resenha que comparava os filmes Melancolia e Árvore da Vida, e terminava por julgar este superior por não ser, digamos, niilista como aquele. Sinceramente, é uma questão de escolha sobre a que se atribui sentido. Podemos ter uma experiência positiva se entendemos, por exemplo, que a lição está em se fazer exatamente o contrário do que é mostrado na tela. Neste aspecto, Melancolia pode até ser pedagógico se compreendermos que não devemos agir como suas personagens.

O filme me pareceu quase um thriller. Fiquei impressionada como algo tão intimista pudesse me causar suspense. Durante a primeira parte, uma vez que acreditei fosse verdadeira a alegria em que Justine se encontrava no início da projeção, fiquei intrigada com as falas das personagens e com aquelas pequenas pistas. Quando Justine começa a sucumbir à tristeza, os diálogos sugerem algo que já estava lá, mas que não víamos, e pouco a pouco a depressão crônica de Justine é revelada. Kirsten Dunst é maravilhosa ao demonstrar isso apenas com o olhar.

Às vezes, a maioria das vezes na verdade, reluto muito em recomendar qualquer filme. É sempre uma questão de gosto e de história de vida, que tem de achar alguma ressonância naquilo que é projetado na tela de cinema para justificar a simpatia por uma obra. Não recomendo o filme de Lars von Trier sob hipótese alguma. Quem quiser vê-lo, faça por sua conta e risco. Por outro lado, ao contrário do que aconteceu com Árvore da Vida, pelo menos soube que gostei de Melancolia. Assistiria de novo se não fosse o medo da náusea... se bem que tenho sempre uma caixa de Dramin à mão. ;o)

A Árvore da Vida

O que falar sobre A Árvore da Vida? Sinceramente, pensei em postar no Facebook que o filme era grande demais para o meu intelecto. Depois li alguns críticos de cinema que sempre consulto na internet e percebi que talvez tenha compreendido mais do que supunha. Na realidade, a impressão que restou foi a de que não entendi mais a linguagem do diretor do que sua mensagem.

Okay. Dito isto, como continuo? É engraçado como fragmentos do filme vêm à minha cabeça e percebo que o longa se desenrola exatamente como nossa memória funciona. A história da família O'Brien é contada episodicamente, com punhados de fatos intercalados por cenas simbólicas (muitas das quais, confesso, escaparam da minha compreensão). O que mais me agradou dessa história é vê-la contada pelos olhos do garoto Jack, aos quais o diretor dedica uma fidelidade inabalável. Na tela, surge somente o que foi marcante para o menino, mas como isso tem o poder de evocar nossas próprias lembranças, desde aquela curiosidade (proibida) acerca dos que são diferentes de nós à dor de deixar a casa de infância. Imagino que, para os homens, a relação de Jack com seu pai deve ressoar ainda mais forte.

Esse microcosmos que é narrativa da família O'Brien tem paralelo com a própria história do universo e da Terra. Sim, o filme possui uma longa (e muito bonita) sequência que ilustra o surgimento do cosmos depois de ouvirmos a Sra. O'Brien perguntar a Deus quem somos para Ele. Acho que a resposta é que somos parte do todo, um desdobramento natural dos eventos de bilhões de anos atrás. E talvez tudo seja sempre uma constante renovação, porque o filme termina onde começa, com uma imagem ambígua que nos sugere ora um feto ora a tão famosa luz das experiências pós-morte.

E o resto eu não sei mais, rs. Para falar a verdade, não sei nem se gostei do filme. Não há dúvida de que é lindo, seja pelas imagens, seja pela humanidade que contém. Mas fica um mas que é mais questão de gosto, de costume ou expectativa...

Cisne Negro em pedaços

Acabei de assistir ao Cisne Negro. Entendo como esse filme pode ser banal para muitas pessoas, mas devo dizer que ele me tocou. É que tenho uma Nina dentro de mim, e foi ligeiramente incômodo ver esse reflexo no longa. Assim como acontece com a personagem de Natalie Portman, a menininha que há em mim está fortemente ligada ao ideal de perfeição. Sinceramente, não sei explicar a relação de causalidade entre esses dois elementos, mas o fato é que só busco a perfeição enquanto a menininha está no comando. Aí tudo me frusta e me fere, porque nada é perfeito (óbvio!).

No mais, nem sei o que dizer do filme. Comentários e ideias vêm e vão sem coesão alguma. Por causa disso, e porque hoje vou tentar não escrever um texto perfeito, minhas observações seguem em tópicos:

- Adorei o paradoxo que o filme demonstrou ao retratar a realidade da casa de Nina. Lá portas sem trancas significam prisão.

- O sadismo do coreógrafo responsável pela montagem dO Lago dos Cisnes é demonstrado na primeira cena em que aparece. Thomas entra na sala de aula, enquanto bailarinas e bailarinos fazem aula, e sai tocando o ombro de algumas delas enquanto discursa sobre sua próxima produção. Naturalmente somos levados a pensar, assim como as próprias dançarinas, que aquelas serão as futuras concorrentes ao papel principal. Somente depois ele faz o favor de explicar que aquelas farão parte do corpo de baile e que as outras é que deverão comparecer à sala de ensaio para concorrer ao papel de Odette/Odile.

- Por mais que saiba que foi uma escolha do diretor a dualidade preto e branco/rosa para retratar o contraste entre mãe e filha, achei meio forçado ver a mãe de Nina sempre vestida de preto.

- As alucinações de Nina me pareceram uma hipérbole de nossas próprias paranóias. Se pararmos para pensar, as fantasias da bailarina se iniciam a partir de um dado real e depois extrapolam para o fantástico. Suas costas arranhadas são um fato, tanto que sua mãe também as enxerga, mas a mente de Nina constrói e nos sugere (já que partilhamos de sua perspectiva) o nascimento de asas. Não sei quanto a vocês, mas eu já fiz muita tempestade em copo d'água por causa de uma fatozinho de nada sobre o qual minha cabeça ficou fazendo mil conjecturas.

- Natalie Portman está de parabéns por seu trabalho como bailarina. Soube que poucas cenas são de sua dublê. Em alguns momentos, é visível que naquela sapatilha não está o pé de uma profissional, mas é uma questão de estrutura física mesmo: não há como a atriz ter a linha de uma bailarina que dança há anos.

- Depois de ler várias resenhas no Rotten Tomatoes, tenho orgulho de puxar a brasa para nossa sardinha e dizer que a crítica que mais captou a densidade do filme e de seu simbolismo foi a de Pablo Villaça. Shame on you, American Critics!

- Gostei muito desta entrevista com Natalie e Darren Aronofsky. Foi interessante ver a impressão da atriz de que o mundo do balé impõe uma infantilização às bailarinas. Durante sua preparação, Natalie percebeu que as bailarinas falavam com voz de menina, e foi dela a sugestão de que Nina falasse do mesmo modo.

Não pensei em como terminar o post, então fico por aqui.

Enrolados

Já li em pelo menos duas resenhas sobre Enrolados, adaptação do conto de fadas Rapunzel, que a inserção do quase anti-herói Flynn Rider possibilita ao filme alcançar o público masculino.

Bem, discordo. Adorei Enrolados, mas, na minha opinião, ainda é filme de menina. Não há dúvida de que os meninos vão gostar das cenas de comédia (as do cavalo Maximus e do camaleão Pascal são ótimas), mas desconfio que ficarão levemente entediados com as sequências musicais. E há muitas flores e cores e fofura de sobra no longa. Resumindo, a animação é "assistível" para os garotos e empolgante para as garotas.

Questões de gosto à parte, um dado objetivo de respeito é a qualidade gráfica do filme. Quem assistir poderá conferir. O cabelo da Rapunzel é perfeito, assim como o são as expressões das personagens. É digna de nota também uma cena que envolve o rompimento de uma represa. A água parece de verdade.

Há igualmente uma cena belíssima, que envolve o sonho da Rapunzel. Dizem que é o segmento que faz valer a pena pagar uma sessão 3D. Como vi em 2D, não posso confirmar, mas digo que me emocionei com o lirismo da sequência.

O roteiro ainda me surpreendeu ao espelhar tão concretamente as motivações inconscientes que determinam tantas relações entre mães e filhas. A "mãe" Gothel enclausura e manipula Rapunzel em troca de longevidade, obtida através dos cabelos da protagonista. Como sei que deve ser difícil associar o que acabei de dizer à amorosidade que se espera de um relacionamento entre mãe e filha, exemplifico com a história de uma pessoa que conheci, que chamarei de Eloísa. Eloísa foi criada por uma mãe cujo comportamento poderia ser tachado de superprotetor, haja vista que fazia tudo pela filha. No entanto, tal conduta transmitia a mensagem implicíta e, muitas vezes, explícita de que Eloísa era incapaz de fazer qualquer coisa. Para que tenham uma ideia, Eloísa foi banhada pela mãe até os doze anos de idade. Não usava vestido porque sua mãe lhe dizia que tinha joelhos de homem. Por trás dessas ações, estava o desejo da mãe de ter a filha por perto até o fim da vida, sendo instrumento para obtenção dessa expectativa esse tolhimento sob o manto da superproteção. Esse é um desejo tão egoísta, embora não tão maléfico em sua consecução, quanto o da "mãe" Gothel. Eloísa não viveu enclausurada em uma torre real, mas em uma metafórica.

Só por esse aspecto, acho que Enrolados deveria ganhar mais estrelinhas do que muitos críticos andam atribuindo por aí.

Para terminar, vou repetir: adorei o filme. E quero um Pascal! Olha só ele com cara de mau:


E com cara de tédio/"eu mereço":

p.s.: Há quem detone a dublagem de Luciano Huck em Enrolados (vide a resenha de Pablo Villaça, que pegou pesado). Essas pessoas têm a mais pura razão. De quem foi a brilhante ideia de colocar um apresentador para dublar uma animação? Eu nem sabia que Luciano tem esse cartaz todo para ser "atrativo" comercial para o filme.

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 1

"Harry Potter realmente deixou de ser um filme de criança."

Esse foi meu terceiro pensamento após ver o longa.

O segundo foi "Excelente!"

E o primeiro foi "Hã?" - em resposta ao final abrupto, mas significativo dessa primeira parte de Harry Potter e As Relíquias da Morte.

Vou escolher o meu segundo pensamento, o Excelente!, para continuar este post.

Adorei, adorei o filme. E olha que nem teve romance!, rs. A questão é que, nesta sequência de Harry Potter, há mais tempo para cuidar dos detalhes e da relação entre as personagens, que é o ponto forte do longa ao meu ver. Harry Potter e as Relíquias da Morte deixou de ser filme infantil porque é mais sombrio e assustador, mas também porque maturou o relacionamento do trio Harry, Hermione e Ron. Estampa o peso da tensão que recai sobre os três e o desgaste que a relação sofre sob as circunstâncias em que as personagens se encontram.

Esse é o fator que me faz não entender certos críticos de cinema. Li a resenha na Veja de Isabela Boscov (a quem admiro pela capacidade de falar sem contar) e ela acusa o filme de encher linguiça! Sinceramente, não entendi. Quantas vezes não li artigos criticando um filme por não conferir densidade às personagens, e agora, justamente neste último longa de Harry Potter, - em que questões sobre confiança, ressentimento e medo são levantadas, em que, por exemplo, a insegurança de Ron é desvelada cruamente -, justamente agora o filme é acusado de encher linguiça?! E ainda que as cenas de exílio dos três amigos sejam desconsideradas, os momentos de ação ensejados pela busca às horcruxes ou pelos confrontos com Comensais da Morte, o pequeno conto narrado por Hermione (uma animação linda, diga-se de passagem), os vislumbres sobre a história pessoal de Dumbledore, tudo isso é necessário e está no longa por dois motivos. O primeiro deles é preparar o terreno para entender o desfecho da obra; o segundo, conferir ritmo ao filme, que, por mais que o sintamos longo, nunca chega a ser enfadonho.

E mesmo assim, o filme é acusado de encher linguiça?!

Hã? (e dessa vez não é pelo final do longa).

Deixada de lado minha indignação de fã, realmente considero Harry Potter e as Relíquias da Morte um bom filme, que faz jus aos seus antecedentes e que nos prepara satisfatoriamente para compreender o fim da saga.

E digo mais:

Tô de mal, Isabela Boscov. ;o)

Tropa de Elite 2

Este post saiu com uma semana de atraso, mas saiu, rs.


No final de semana passado, fui assistir ao Tropa de Elite 2. Confesso que estava um pouco desconfiada. É muito comum diretores e roteiristas perderem o rumo na sequência de filmes de sucesso. Acho que interpretam equivocadamente o que teve apelo ao público e investem em elementos que não têm nada a ver com a essência do primeiro longa. Penso que isso aconteceu em Piratas do Caribe por exemplo, e me disseram que igualmente ocorreu com Matrix.

Convenhamos, havia a possibilidade de Tropa de Elite 2 dar muito errado. Poderiam carregar a mão na pancadaria e nas cenas de efeito, poderiam querer aplacar os críticos do filme anterior e "melhorar" o anti-herói Nascimento (Wagner Moura).

Que nada.

Tropa de Elite 2 tem pancadaria e tem Nascimento; aquela na medida certa, este tão politicamente incorreto quanto sempre foi. Em relação aos murros e tiros, nada a comentar, a não ser a qualidade das sequências de ação. Em referência à personagem principal, bem... não tenho outro modo de dizer: Nascimento me diverte tanto quanto o rabugento Dr. House. Sei da diferença abismal entre os dois, sei dos extremos que ocupam (afinal, um mata com gosto; outro salva meio a contragosto), mas ambos prendem meu interesse porque são o que são, sem concessões aos outros, com permissão somente para si próprios.

Também sei que filmes como Tropa de Elite ferem os mais conscientes da importância dos Direitos Humanos. Recordo bem da polêmica que o primeiro longa causou e do risco que ele promove em licenciar mais intolerância do que já existe. Menos em defesa do filme e mais para refletir, ressalto que nenhum extremo é salutar. É que me parece que predominam na cinematografia nacional filmes de contextualização dos criminosos, que demonstram como a miséria e a falta de perspectiva condicionam o homem à violência. Nesse cenário, é fácil perder-se de vista que há um outro lado, talvez até mais multifacetado. Porque mais rico do que avaliar o que leva uma pessoa a entregar-se ao tráfico ou ao roubo, é entender o que não leva outros tantos que vivem na mesma situação a fazer o mesmo. É perceber que, por mais difícil que seja, talvez haja sempre uma escolha. Pode ser um choque ver que pessoas optam em ser violentas - e aí a opção se aplica tanto a bandidos quanto a policiais. E se é justificável contextualizar a realidade de um criminoso, por que não ocorre o mesmo com a de um policial?

Deixando as reflexões de lado, fica o palpite: quem gostou do primeiro Tropa de Elite vai gostar deste também.

"Eu me divirto" ou "Quando Pablo Villaça detona a saga Crepúsculo"

Okay, reconheço. Li os quatro livros - os dois últimos antes mesmo que saíssem em português.

Okay, confesso. Assisti aos três filmes no cinema - e olha que já havia visto o primeiro em casa, graças à internet.

Okay, admito. Sei que a saga (seja em livro, seja em filme) não é lá essas coisas - ou não é nada, afinal de contas.

Mas permanece o fato de que me divirto muito com as resenhas do Pablo Villaça sobre os três longas até então lançados, baseados nas obras homônimas de Stephenie Meyer.

Sobre Crespúsculo (mais aqui), minhas tiradas favoritas são:

Enquanto isso, os Cullen percorrem os corredores e a cantina do colégio olhando de baixo para cima, ameaçadores, sem que ninguém jamais questione a palidez cadavérica de toda a família (ou talvez todos percebam se tratar de uma maquiagem incrivelmente artificial que não se preocupa sequer em cobrir direito os pescoços e membros dos tais vampiros).

(...) assim que Edward é visto pela primeira vez com sua pele pálida, as sobrancelhas cuidadosamente desenhadas, os lábios destacados por batom e o cabelo milimetricamente despenteado (ele deve passar horas diante do espelho, despenteando o cabelo. Ainda bem que, como imortal, tem todo o tempo do mundo.).

Em relação a Lua Nova (mais aqui), ele escreveu sobre lesmas, hulks e grilos falantes:

"Ora, o segredo de uma obra do gênero é relativamente simples: estabelecer um casal que inspire a torcida e a simpatia do espectador, mas Meyer (e a roteirista Melissa Rosenberg) tortura o público com duas figuras desinteressantes e aborrecidas cujo único atrativo dramático reside no fato da mocinha estar sempre prestes a ser destruída pelo mocinho. Mas nem isso é o bastante; se fosse, alguém já teria lançado um filme chamado A Lesma e o Potinho de Sal."

"Depois de um incidente que leva o sujeito a temer pela segurança da amada, Edward e sua família abandonam o lugarejo, deixando Bella em profundo estado de depressão. Por sorte, ela acaba se aproximando de Jacob (Lautner), mas as coisas voltam a se complicar quando a moça descobre que o rapaz é um lobisomem - ou, considerando que ele se transforma sempre que fica nervoso, um lobishulk."

"Dividida, ela (Bella) passa a se entregar a atividades cada vez mais perigosas mesmo sendo advertida por Edward (que surge numa espécie de visão ou delírio, como um Grilo Falante fantasmagórico) sobre a importância de tomar conta de si mesma."

"Considerando o talento de Bella para atrair pares românticos bizarros, mal posso esperar para chegar ao quarto filme da série, quando ela provavelmente já estará sendo disputada não apenas pelo vampiro Edward e pelo lobishulk Jacob, mas também pela Criatura de Frankenstein, pelo Monstro do Pântano e por Freddy Krueger. A esta altura, as fãs da “saga” Crepúsculo certamente estarão ainda mais comovidas com a natureza sofrida da garota, enxergando-a como uma romântica inveterada.

Já eu consigo ver apenas uma aborrecida lesma suicida."

Na resenha para Eclipse (mais aqui), ele não perdoa, e sobra até para José Serra:

E, com isso, ficamos presos à traminha babaca e juvenil concebida por Meyer, que, jamais abandonando a superficialidade, insiste em chamar de “saga” uma narrativa prosaica durante a qual nada parece acontecer mesmo depois de três episódios.

Bella, aliás, permanece um mistério: vivida por Kristen Stewart com uma falta de vitalidade que faz José Serra soar como Carmen Miranda, a heroína da série é uma moça aborrecida e entediante que, parecendo sempre terrivelmente infeliz, passa a impressão de não conseguir esboçar um sorriso nem mesmo durante o orgasmo (não que Edward a ajude neste sentido) – e, assim, é difícil compreender como uma personalidade tão desestimulante atraiu não apenas o “vampiro”, mas também o lobisomem Jacob.

(...) a roteirista (que se sai bem melhor na série Dexter) ainda chega ao cúmulo de empregar diálogos que apenas ajudam a estabelecer Bella como uma ninfeta estúpida com um fraco por estabelecer o óbvio: em certo instante, por exemplo, quando um dos membros da família Cullen conclui que alguém está “criando um exército”, a protagonista não consegue se conter e emenda: “Um exército de vampiros.” – e fiquei surpreso quando nenhum dos demais personagens se virou para a moça e soltou um “Duh!” em alto e bom som.

Mais uma vez, contudo, Edward parece o par ideal para a heroína, já que, embora tendo vivido 109 anos, parece ter passado toda sua existência (des)penteando os cabelos em vez de se dedicar à leitura, já que se expressa com a articulação de um pré-adolescente viciado em Malhação. Além disso, sua burrice chega ao ponto de permitir que Jacob carregue Bella no colo por quilômetros a fim de despistar o cheiro da moça – que a vilã (vivida por uma desperdiçada Bryce Dallas Howard) seria capaz de captar – apenas para colocar o plano a perder ao decidir acompanhar a namorada. “Ela deve ter seguido o meu cheiro por saber que eu estaria com você!”, ele conclui espantado e provando ser um débil mental.

Viram? Eu me divirto!

Toy Story 3

Dentre os filmes da Pixar, Toy Story (1 ou 2) nunca foi um dos meus favoritos. Hoje nem me lembro mais do enredo dos dois longas, mas, sempre que lia elogios a eles, atribuía a "coisas que só críticos de cinema entendem" e deixava para lá. Não sei bem dizer qual a razão para isso... para mim, parecia que o "drama" não era tão real quanto o era em Procurando Nemo, Ratatouille ou Up.

Assisti ao Toy Story 3 porque a) muitas pessoas elogiaram; b) gosto de filmes de animação, c) nunca penso em perder um da Pixar. Devo confessar que, na primeira metade da projeção, comecei a desconfiar que tudo se repetiria e que minha opinião estaria na contra-mão (de novo!) da maioria.

Mas vejam só: o filme ganha mais tensão enquanto progride e aí... E aí, que agradável surpresa foi constatar que adorei o Toy Story 3!

Adoro as animações que mostram o nosso mundo - ou, no caso de WALL-E, o nosso suposto futuro mundo - porque posso ficar maravilhada com a perfeição dos gráficos. Dá a impressão de que estou vendo uma filmagem real. Aprendi, nesse post do Mundo de K, que o foto-realismo é um dos movimentos da arte contemporânea (para entender o que é, siga o link). Me ocorreu que essas animações, quando retratam nossa realidade, são foto-realismo em ação. Toy Story 3 tem dessas cenas que impressionam com a impecabilidade dos detalhes e o colorido. A gente até duvida que é animação.

Além da indiscutível qualidade gráfica, acho que uma outra razão para ter gostado do filme é que seu contéudo despertou uma lembrança de infância. Recordei que, às vezes, tinha medo de que meus brinquedos tivessem sentimentos. E então me preocupava com o fato de que pudessem se sentir abandonados e brincava com aqueles que estavam meio esquecidos.

Por último, enquanto procurava alguma foto da Bonnie, a criança mais fofa desde a Boo de Monstros S.A, descobri esta página aqui, que revela vários elementos interessantes nos filmes da Pixar. Destaque para página 3, em que Peter Sciretta demonstra como as personagens dos longas da Pixar estão presentes ou são anunciados em outros filmes produzidos pelo estúdio de animação.

Como treinar o seu dragão

Começo transcrevendo um trecho da resenha de Isabela Boscov (Veja):

"... o menino Soluço, magrinho e meio medroso, é um fracasso como viking e uma decepção para seu pai, o chefe do clã. Nunca vai ser um caçador de dragões. E matar dragões é o que de mais essencial se pode fazer na ilha de Berk, assolada por ferocíssimos cuspidores de fogo. Uma coincidência, um momento de compaixão e a curiosidade típica da idade o colocam em um caminho diferente. Soluço vai se transformar, em segredo, em um domador de dragões."

Fiz questão de iniciar com a sinopse de Isabela porque, em um momento de tensão entre Soluço e seu pai (Estoico), lembrei de um vídeo em que Osho dizia - e ressalvo que estas não são suas exatas palavras - que os filhos sempre decepcionarão os pais, porque não cumprirão as metas que seus progenitores lhes traçaram. Diz Osho que nem Jesus Cristo conseguiu evitar isso. Provavelmente José esperava que seu filho se tornasse carpinteiro como ele, mas lá estava Cristo a doutrinar sobre o Reino de Deus.

No caso de Como treinar o seu dragão, acho que o conflito ultrapassa a relação pai e filho. Não era só Estoico que esperava ver Soluço se tornar um caçador de dragões; toda a comunidade nutria a mesma expectativa. O senso comum dos habitantes de Berk dizia que esse era o destino dos jovens da ilha.

A beleza do longa está em mostrar que nem sempre o que a maioria prega é o melhor para você. O melhor para você é aquilo que se quer quando se está livre de condicionamentos ditados pela vaidade, pela necessidade de aceitação pelo grupo, pela insegurança. O melhor para você é aquilo que lhe é verdadeiro, e é claro que raramente alguma "sabedoria convencional" contém o que lhe é autêntico em uma instância tão íntima. Então por que mesmo fazer o que todos fazem?

Ainda bem que Soluço decide ser fiel a si. Aí a aventura começa.

E que aventura.

Gostei muito dos gráficos e da história do filme (baseado, eu não sabia, na obra homônima de Cressida Cowell). A DreamWorks deu uma de Pixar. Por mais que Shrek, Kung Fu Panda e Madagascar me agradem, sempre achei as animações da DreamWorks um pouquinho banais. Como treinar... virou exceção. Adorei o filme.

E o Banguela.

Sherlock Holmes

Este post contém um leve spoiler.


Devo confessar. Quando vi o trailer de Sherlock Holmes no Galera_D, pensei logo "Esse não é o Sherlock Holmes de que me lembro" e fiquei meio desconfiada desse filme. Em regra, não tenho problema com adaptações de livros para o cinema porque nunca guardo a expectativa de que o filme seja "fiel" ao livro, mas, no caso de Sherlock Holmes, tudo parecia infiel demais: explosões, brigas e um detetive mulherengo.

No final das contas, minha desconfiança era prematura, desnecessária e até arrogante. Em primeiro lugar, não havia lido histórias suficientes de Conan Doyle para saber quem era Sherlock Holmes de fato. Aliás, nem a memória me ajudava nesse aspecto, porque foi durante o início da adolescência que li um livro de contos protagonizado pelo detetive. Em segundo lugar, trailers são elaborados para atrair público (com exceção de Eragon, alguém já viu filme parecer ruim em trailer?). Sendo assim, é claro que haveria explosões e mulheres, mas isso não significa, obviamente, que o longa se resume a isso. Em terceiro lugar, ainda presumi errado que havia mulheres na vida de Holmes; há apenas Irene Adler.

Graças à resenha de Isabela Boscov na Veja, entendi como deveria assistir a esse filme. A crítica de cinema explica que o consta lá é uma desconstrução da personagem de Sherlock Holmes. Por mais que não saiba o que isso verdadeiramente implica (quando desconstruo uma personagem, com que finalidade o faço? O que retenho dela para identificá-la como tal?), isso me deu a liberdade de ir ao cinema sem esperar ver o Sherlock Holmes dos livros.

Foi bem mais divertido assim. Posso dizer que é um filme de ação que realmente possui enredo. Quando lia romances policiais (Agatha Christie, na grande maioria), ficava ligeiramente frustrada depois que o detetive desvendava e explicava o mistério. Pensava algo como "Com que diabos eu ia adivinhar que aquilo era uma pista?" No longa, fiquei feliz quando Holmes desvelou tudo e tirou o matiz paranormal do mistério. Essa era a única coisa que me importunava: a possibilidade de que o vilão de fato lidasse com forças paranormais.

Posso igualmente afirmar que é um filme de ação verdadeiramente engraçado, e o humor funciona por ser inteligente e irônico. E quem diria? Adorei ver as cenas de luta, principalmente assistir aos golpes analiticamente calculados de Holmes.

Por fim, gostei da dinâmica entre Holmes e Watson. Lembro que as histórias de Conan Doyle me davam a impressão de que Holmes era um tanto condescendente (ou simplesmente chato) com Watson. No longa, vi o apreço que tinham um pelo outro e o prazer que sentiam em trabalhar juntos, como um time. Se isso é fruto da tal desconstrução da personagem, que continuem desconstruindo.

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Enquanto estudava História no colégio, vez e outra me pegava pensando nos meros mortais que testemunharam aqueles eventos. Perguntava se eles haviam percebido que presenciavam algo que seria recontado por anos. Será que quem parou para ver Maria Antonieta ser decapitada se deu conta de que aquele fato entraria para a História?

Foi daí que veio uma sensação de incredulidade quando assisti ao incidente do World Trade Center em 11 de setembro de 2001. Além do choque natural de ver uma tragédia daquela proporção, naquele momento eu era um dos meros mortais que testemunhava um acontecimento histórico. A propósito, agora me lembro da queda do muro de Berlim e de meu pai falando "É bom guardar essa data. Isso aí vai entrar pros livros de História."

No dia 19 deste mês, presenciei outro fato histórico, mas esse não vai constar nos livros didáticos comuns. E ainda bem que há espaço em nossos registros para coisas outras que não decapitações e desmoronamentos de torres e muros. Ainda bem que somos igualmente capazes de construir. Ainda bem que o poder de criação pode se perpetuar de várias formas, inclusive em um filme.

Avatar é um marco. Basta ler qualquer matéria sobre a nova obra de James Cameron para perceber isso. Aliás, simplesmente assistir ao longa é suficiente para se compreender a inovação que o filme representa.

Cameron criou um mundo novo, e esse realmente é admirável. A invenção de uma nova fauna e flora (que é algo realmente nunca visto), ou a constituição meticulosa do planeta Pandora, onde vivem os Na'vi, é um feito memorável. São paisagens e imagens belíssimas, que impressionam mais ainda por serem geradas por computador. É por isso que falo em poder de criação. É prova do potencial que temos para fazer o bem quando constatamos a capacidade do homem em criar coisas tão belas.

Outro mérito do filme é a perfeita integração entre o virtual e o real. O mundo novo de Cameron se expande para além de Pandora e engloba um mundo fílmico em que a computação gráfica não destoa mais da realidade, e tudo é um todo sem cortes ou costuras.

Efeitos especiais à parte, Avatar mostra conteúdo. Há mensagens políticas, mas são secundárias para mim, que sou reconhecidamente apolítica. Em vez de paralelos com o imperialismo americano, foi mais marcante ver como os Na'vi compreendem que todos provêm de uma Unidade, e como tal consciência se revela no respeito que demonstram a todas as criaturas, a eles próprios e ao mundo em que habitam. Não são melhores ou piores do que animais e plantas; são iguais, e, conforme Neytiri explica, enquanto vivem no mundo físico, apenas tomam emprestada a energia que nutre o Todo, depois devolvendo-a ao morrer. A conexão dos Na'vi com os animais permite-lhes que os bichos sejam extensão de seu corpo, atendendo à sua vontade através de palavras ditas ou pensadas. Nesse ponto, os humanos do filme tornam-se uma pálida paródia dos nativos de Pandora, porque sua conexão somente se dá com máquinas gigantescas, acionadas pelos movimentos de seus usuários.

A própria concepção dos avatares levanta a questão de como somos mais do que o corpo físico. Simplificadamente, isso se reflete na ideia de transportar mente, crenças e sentimentos de um corpo humano para outro produzido em laboratório. Há um quê em nós maior do que a soma de sinapses e reações químicas. Estamos lá. Somos esse quê.

Pela data deste post, Avatar é o último filme que comento neste ano. Acho que não poderia fechar de melhor forma. Não deixem as filas dos cinemas os desanimarem. O longa vale o esforço.

Tá Chovendo Hambúrguer

Taí um filme que fui ver sem expectativa alguma. Talvez por isso ele tenha me agradado tanto.

De início, duvidei de como uma história sobre um inventor que consegue fazer chover comida pudesse ter meio e fim. Pelo trailer, já sabia qual era o começo: Flint, desde pequeno, descobrira sua vocação, e ela envolvia muita criatividade e ciência.

Mas o filme tem enredo, mesmo que não seja nada de excepcional. Tem uma história para contar, e o faz acenando para questões que vivemos cotidianamente, desde a busca de aceitação pelo outro e por si mesmo até o choque entre os mundos de gerações diferentes.

Aliás, para mim esse foi um dos momentos mais engraçados do longa. Se você já fez um esforço enorme para não perder a paciência com um parente mais velho tentando utilizar um computador, saberá do que estou falando.

Falar em graça enseja comentar o que me foi mais marcante em Tá Chovendo Hambúrguer. É um filme peculiarmente engraçado. Seu humor desafia um pouco uma classificação. É meio nonsense, politicamente incorreto, pastelão. É... inusitado. Surge inesperadamente. Pega de surpresa por ser absurdo, tão absurdo quanto encontrar um par de olhos neste rosto:


Como disse, peculiarmente engraçado.

Up - Altas aventuras

Que analisamos as coisas de acordo com nossa história de vida e crenças, isso todo o mundo já sabe. Depois de ler algumas resenhas sobre Up - Altas Aventuras, percebi que, com exceção de um trecho, todos os momentos do filme que tiveram significado especial para mim não foram citados pelos críticos. Na verdade, não há como ser diferente. Para isso serve meu Reflexos aqui.

Up conta a história de um velhinho chamado Carl Fredericksen. Um dia, Carl decide que, em homenagem ao sonho que nutria com sua falecida esposa Ellie, chegará às Cachoeiras do Paraíso, na América do Sul. A novidade é o modo como o septuagenário realiza a viagem: sua casa é içada aos céus por milhares de balões. Mal sabe Carl que tem um passageiro acidentalmente a bordo, o falante (mas a coisa mais fofa) Russel. Depois de alguns incidentes, chegam ao destino da viagem. E aí começa a aventura.

Não pressuponham a partir daí que Up se concretiza como um mero filme de criança. Como é tradição da Pixar, seus filmes alcançam adultos e possibilitam reflexões. Neste longa em particular, minha lição foi o desapego. Carl aprendeu a conviver com a ausência de sua esposa apegando-se a tudo que foi deles. Com isso, estacionou no tempo. A partir do momento em que decide voltar a viver, Carl começa a fazer escolhas, e a principal delas é simplesmente deixar ir. Há uma cena em que, para fazer a casa flutuar novamente, Carl se desfaz de sua mobília. Achei isso a metáfora do desapego: para voar, é preciso abrir mão.

Vinculada à ideia do desapego, está a lição de viver. Outro momento tocante do filme é o recado de Ellie para Carl. Podem não ter conhecido as Cachoeiras juntos, mas viveram muitas outras coisas na companhia um do outro. Foi um tipo diferente de aventura, mas que igualmente teve seu valor.

Falando em valor, para vocês terem ideia do prestígio de Up, a animação foi escolhida para abrir o Festival de Cannes 2009. Imaginam isso? Uma animação americana em um festival sério que se passa na França? Posso dizer uma coisa? Não é à toa. O visual é lindo, o conteúdo é emocionante e engraçado e o trabalho é meticuloso. A Pixar se procupou até com a barba de Carl! Ao longo do filme, ela começa a aparecer, já que o velhinho está ocupado demais para fazê-la.

Por fim, falo de dados interessantes que li nesta resenha de Richard Corliss, e que ressaltam o cuidado da Pixar em compor seus trabalhos. Um deles é o fato de que o desenho das personagens foi elaborado para refletir a personalidade delas. Carl velhinho tem o rosto mais quadrado porque é assim que é, quadrado. Russell, por outro lado, é como um balão, provavelmente por ser tão incontrolável quanto. E mais, ao escolherem o ator Ed Asner para dublar Carl, os roteiristas alteraram as falas do protagonista para adequá-las ao padrão de fala do ator, escolhendo palavras que tivessem mais consoantes e encurtando as frases.


Se posso recomendar um filme, recomendo Up. Já entrou na minha categoria de filmes ternos. E o momento que é unânime entre os críticos quando se fala de lirismo, doçura e dor é a passagem que conta a história de Carl e Ellie juntos. Verdadeiramente emocionante. Podem conferir.

Inimigos Públicos ou Quando questão de gosto é questão de gosto

Inimigos Públicos virou queridinho da crítica. Sinceramente, para mim não funcionou. Sei reconhecer que é um bom filme, mas dificilmente o verei de novo, e aí admito que é por uma questão de gosto.

Inimigos Públicos é filme de gângster. Só por isso me pareceu um pouco anacrônico. Não quero dizer com isso que acho "velho" qualquer longa que se passe no passado. Adorei O Patriota e geralmente gosto dos épicos. A questão é que filme de gângster me parece quase um gênero, tal qual filme de pirata, de que Piratas no Caribe é exemplo único hoje em dia. E se filme de gângster for mesmo um gênero, não entendo o apelo de metralhadoras disparando e corpos sendo perfurados à semelhança de um queijo suíço.

O curioso foi que nem a maneira ultramoderna de filmar o longa acabou com essa minha sensação de estar assistindo a algo fora do seu tempo. Na realidade, a direção do filme me causou estranheza. Achei destoante aqueles cortes e movimentos de câmera rápidos para contar uma história que se arrasta. Para mim, restou a impressão de algo inadequado, como se visse alguém vestindo roupas que definitivamente não lhe cabem.

Porém, deixando de lado o que não gostei e falando do que efetivamente gostei, resta mencionar o elenco. Não dá para reclamar de Johnny Depp, Marion Cotillard, Billy Crudup e Christian Bale. Adorei todos eles.

Para terminar, friso que Inimigos Públicos é um bom filme. Mas é que, quando a questão é de gosto, não se tem como evitar. A despeito de todas as qualidades do longa, não consegui gostar dele.

Harry Potter e o Enigma do Príncipe!

Okay, o filme é Harry Potter, então minha tietagem pode impedir uma análise mais profunda (como se eu fosse a crítica de cinema). Aliás, pela dificuldade que estou tendo em escrever este post (já comecei e apaguei várias vezes), vejo que só posso redigi-lo se for na condição de fã.

Já havia mencionado que Harry Potter e o Enigma do Príncipe é meu livro favorito. Depois de testemunhar o aborrescente que Harry foi em Harry Potter e a Ordem da Fênix (livro anterior), era um alívio vê-lo mais relaxado, mais engraçado, mais maduro. Apesar das diversas incursões ao passado de Tom Riddle (o futuro vilão Voldemort), Enigma do Príncipe é um livro bem mais leve, um retorno ao elemento lúdico do universo criado por J. K. Rowling.

No entanto, a principal razão para adorar o sexto livro é o romance entre Harry e Ginny, aquela irmãzinha do Rony que tinha a maior queda pelo Harry desde pequena, mas que nunca tinha sido correspondida. Foi uma surpresa agradável descobrir juntamente com Harry que ele sentia ciúmes da Ginny, e era um barato vê-lo lutando contra instintos, pensamentos e desejos até poder assumir seus sentimentos em relação a ela.

Esses dois motivos que me fazem gostar tanto do Enigma do Príncipe estão presentes no filme, mas não ganharam o relevo que possuem na obra escrita. O longa, talvez para preparar o terreno para o que está por vir, escolheu focar o lado mais sombrio do enredo. Como é impossível retratar tudo o que há no livro, enfatizaram a relação entre Harry e Dumbledore e sua busca pelas memórias de um professor que podem revelar o segredo de Voldemort. É certo que há vários momentos divertidos, e há romance (uhu!), mas persiste o fato de que Enigma do Príncipe tenta ser um filme mais sério.


Mesmo assim, adorei Harry Potter e o Enigma do Príncipe. Ele não desbancou o meu favorito até agora (em relação aos filmes, prefiro o quarto da série, Harry Potter e o Cálice de Fogo), mas puxa! como faz jus ao conjunto da obra. O visual continua lindo, os efeitos são impressionantes, e o longa ainda conseguiu me assustar e me comover mesmo quando já sabia o que esperar.


Foi interessante notar as liberdades que Steven Kloves tomou ao adaptar o livro. Kloves havia escrito os roteiros de todos os filmes exceto o do anterior (Harry Potter e a Ordem da Fênix). Neste sexto longa, acrescentou, cortou e modificou muitas coisas, o que me faz refletir sobre a influência da pressão do mercado nas escolhas de um roteirista. Não deve ser à toa que, só agora que a série já está mais do que estabelecida comercialmente, Steven Kloves começa a se desprender dos livros e a ousar. Por mais que isso possa irritar muitos fãs, acho que há espaço para inovar nos filmes desde que não se descaracterize a essência da saga. Até o presente momento, penso que todas as adaptações foram bem sucedidas.

E olha só que legal. Tinha adorado as cores do filme. Há uma cena nA Toca, cujo colorido é lindo (apesar da cena em si ser bem tensa). Eis que, lendo a resenha do Pablo Villaça, descubro que o diretor de fotografia é o mesmo dO Fabuloso Destino de Amélie Poulain! Talento é talento.

Por último, só falta registrar uma impressão personalíssima. Achei estranho ver um estilo de direção se repetir em Harry Potter. Com exceção de Chris Columbus, que não tem estilo algum, nenhum outro diretor havia dirigido mais de um filme da série. David Yates comandou Ordem da Fênix, repetiu a dose agora em Enigma do Príncipe e retornará em Relíquias da Morte, que será dividido em duas partes. Ao contrário de Columbus, tem uma forma bem marcada de conduzir a câmera, então foi inevitável sentir algo parecido com déjà vu em certos momentos.

Termino com um trechinho da resenha do Pablo Villaça, que deu cinco estrelas para o filme (êêê!) e me deixou orgulhosa. Afinal, não é qualquer filme que arranca elogios dele:

Revelando-se um pequeno milagre no esquema de produção industrial de Hollywood em função de sua consistência ao longo de seis filmes, a franquia protagonizada pelo (já não tão) pequeno bruxo finalmente alcança, em O Enigma do Príncipe, um exemplar próximo da perfeição - e torçamos para que os dois últimos longas mantenham o padrão de excelência aqui atingido. Afinal, já são quase dez anos investidos no universo fantasioso e encantador de J.K. Rowling.

Dúvida

Este post contém spoilers.


Depois de ver Dúvida, tinha apenas uma certeza: é um bom filme. De resto, prevaleceu a sensação de não saber. Não saber se o padre Flynn era inocente, não saber se a irmã Aloysius estava certa em seu julgamento, não saber se a mãe de Donald Miller agiu corretamente.

Não saber como redigir o post que queria escrever para esse filme.

Após a leitura de algumas resenhas, a ficha caiu. Era tão óbvio. O propósito do filme é este: deixar em dúvida. Não há como ter certeza, porque o longa foi concebido para fazer o espectador duvidar.

Para quem não conhece o enredo, aqui segue uma sinopse pinçada lá do Cinema em Cinema, em mais uma excelente crítica de Pablo Villaça:

A grande questão apresentada pelo texto impecável do também diretor John Patrick Shanley (inspirado em sua própria peça) gira em torno da natureza da relação entre o padre Flynn e o jovem Donald Miller (Foster): depois de ver o sacerdote colocar uma camisa no armário do garoto, a inexperiente freira Irmã James (Adams) alerta sua superiora, a madre Aloysius (Streep), que imediatamente conclui que algo terrível está acontecendo, decidindo impedir que o padre continue a “fazer mal” aos alunos da escola comandada por sua igreja. Ambientada em 1964, a trama remete claramente aos inúmeros escândalos que atingiram os católicos nos últimos 15 ou 20 anos – e ao suspeitar de pedofilia, as duas irmãs agem como se simplesmente constatassem a concretização de um temor antigo.

Agora que escrevo e me lembro das minhas reações durante o filme, fico impressionada com a vacilação em que me percebi. Isso ocorreu porque vários fatos podem ter mais de uma interpretação. A dúvida principal diz respeito à conduta do padre Flynn, é certo. Mas ela existe porque tudo o que é passível de ser considerado como prova de sua culpa pode igualmente ser interpretado a favor de sua inocência. Donald Miller olha com adoração para o padre Flynn porque o sacerdote é o único que o acolhe ou porque o garoto foi seduzido pelo religioso? Padre Flynn fala tão fervorosamente de compaixão pelos erros dos outros porque é compassivo ou porque busca redenção para seus próprios desvios? E mesmo que seja verdade a segunda hipótese, como garantir que sua trangressão é a pedofilia, e não simplesmente uma crise de fé ou um relacionamento com uma mulher? Há vários motivos para justificar a ira de Flynn ao saber que a irmã Aloysius pesquisou seu passado, desrespeitando as regras ao falar diretamente com uma freira e não com o pastor da paróquia em que Flynn servira anteriormente. Há vários motivos, inclusive o medo de ser exposto como o pedófilo que é, mas simplesmente não há como sabermos.

É ainda fascinante constatar toda a ambiguidade que o filme instaura ao desenrolar-se justamente dentro de um universo em que imperam dogmas, em que o maniqueísmo vige. Na Igreja Católica, pelo menos nos moldes em que fui criada, não há muito espaço para tons de cinza e meio-termos. Pelo contrário, existiram muitos brancos ou pretos e extremos. Em Dúvida, porém, há ambiguidade em tudo. Melhor dizendo, há relativização em tudo. Até irmã Aloysius, conservadora, seca, inexorável, é capaz de atos de compaixão com uma colega que está perdendo a visão.

No entanto, a maior relativização é demonstrada na reação da mãe de Donald Miller ao ser comunicada das suspeitas acerca da relação entre seu filho e o padre. Esse assunto já foi muito bem tratado pelo Aluízio nesse post do Galera_D. Vale a pena lê-lo.

Assim como vale a pena assistir a Dúvida, um filme que causa tensão apenas com diálogos, que trata ainda de outras questões da Igreja, da sociedade e do indivíduo e que apresenta um grande elenco e excelentes atuações.

Por fim, para ilustrar o que falo acerca de atuação, transcrevo aqui um segmento da resenha de Pablo Villaça em que elogia o trabalho de Philip Seymour Hoffman:

E é aí que Hoffman, um ator inteligentíssimo, começa a plantar pequenas sementes de dúvida através de sutilezas brilhantes em sua composição [...] E o que dizer do fantástico momento em que, ao negar a acusação, ele sacode levemente a cabeça num gesto afirmativo, como se desmentisse a si mesmo sem reparar?

No filme, isso ocorre neste momento:

Realmente impressionante, não?

Entre os Muros da Escola ou Ao bom professor II

Fazia um tempinho que esse filme me esperava, e finalmente o vi. É baseado na obra autobiográfica do professor François Bégaudeau, que interpreta a si mesmo no longa, assim como muitos de seus alunos e colegas o fazem. Em resumo, posso dizer que o filme retrata um ano letivo em uma escola parisiense.

Essa síntese não se encontra à altura do longa porque retratar esse ano letivo em uma escola parisiense englobou tantos eventos, erros e acertos, tantas dificuldades, preocupações e discussões, que o filme parece ser um minifilme a cada momento. Enquanto assistia, pensava em quais trechos escolheria para ilustrá-lo no blog, mas a verdade é que qualquer cena poderia ser postada aqui sem comprometer o conteúdo do filme. É que o todo desse filme representa bem o que cada parte demonstra: estar em sala de aula. Isso mesmo, o filme mostra esse único fato assim nuamente escrito sem qualquer outro advérbio, sem qualquer outra consideração. Estar em sala de aula.

O valor desse relato fílmico se encontra no fato de que não é qualquer pessoa que está em sala de aula. François Bégaudeau é um educador, e isso faz a diferença. Poderia cruzar os braços, desmotivar-se em virtude da indisciplina dos alunos (e acreditem que é enorme), fingir estar ali. Aliás, mesmo que ensinasse apenas tempos verbais, gêneros textuais e vocabulário ainda seria um certo fingir estar ali, pois, em face do caráter que François aparenta ter, essa conduta ainda não seria de todo coerente com ele próprio. François está em sala de aula por completo, porque instiga os alunos a debater, a desenvolver ideias, a argumentar, a ter disciplina e respeito. Por causa dele somente é que existe o título alternativo deste post (que faz referência a este aqui).

Ops. Reli o parágrafo acima e parece que estou sofrendo de uma pequena paixonite. :o)
Mas é que, como já fui professora, fiquei impressionada com o modo como François consegue transitar no campo minado que a sala de aula pode ser. Lembrei do medo que tinha de perder o controle total da classe assim que vi François entrar em sala pela primeira vez. E foi assim durante a maior parte do filme. E também durante a maior parte do filme, François me surpreendeu por aproveitar as falas dos alunos e não deixá-las em vão, mesmo que fossem insultos. É uma mostra de inteligência e coragem.

Só que François é também humano, e veremos que comete erros. Um em particular desencadeia uma série de eventos bem tensos. Em outros momentos, seu sarcasmo com os alunos me incomodou um pouco, mas ali também havia a lição de lidar com as consequências do que se fala, já que geralmente seu deboche é motivado pelas brincadeirinhas dos estudantes. Apesar disso, a conclusão não pode ser outra: François Bégaudeau é um bom professor.

Arquivo X - Eu Quero Acreditar

O filme estreou no segundo semestre do ano passado. A verdade é que demorou tempo demais para ser filmado e lançado. Até dois anos após a série ter acabado, ainda sonhava em ver Fox Mulder e Dana Scully em um cenário inédito. Depois, depois, muitos anos depois... bem, até que tentei vestir a camisa de fã e ver o filme na estreia, mas aí as semanas passaram, e assisti quando já havia apenas um horário de exibição do longa. Não me empolguei.

Ontem, em virtude da minha única compulsão conscientemente reconhecida, comprei o DVD. Agora pude comparar com as resenhas que havia lido. A maioria detonou acertadamente o roteiro. Explico por quê.

Durante toda a série, Chris Carter, o criador, oscilou vertiginosamente nos episódios que escreveu, o que me faz especular se possui talento ou somente sorte/azar quando escreve alguma coisa. Se se tratar da segunda hipótese, ele teve muito azar quando compôs o enredo do filme ainda que contasse com a ajuda de Frank Spotnitz, outro roteirista do seriado. Aliás, talvez o problema se encontre justamente aí: as escolhas que Carter fez desde o início. Todo fã de carteirinha sabe que, dos roteiristas, Vince Gilligan em regra escrevia os episódios mais tocantes porque sempre referentes à relação entre Mulder e Scully e à natureza humana. No filme, aquele lance todo de vidente enlaçado com cientistas russos e troca de corpos... Isso cheira mesmo à dupla Carter & Spotnitz.

Chega o momento: se alguém ainda quiser ver o filme, aconselhável parar por aqui. Alerta dado, vamos em frente com a criatividade(?) rídicula(!) de Carter & Spotnitz. Em Eu Quero Acreditar, Mulder é procurado pelo FBI para averiguar a credibilidade de um vidente que alega ter visões acerca do rapto de uma agente federal ocorrido dias antes. Aparentemente, o vidente é a solução mais rápida e, por causa disso, a própria salvação já que o FBI corre contra o tempo para resgatar um dos seus. O grande impasse é que o vidente é um padre pedófilo, que instântanea e compreensivelmente desperta repulsa em Scully. O resto da trama principal se resume em um cara russo cuja ocupação extraoficial consiste em raptar mulheres com sangue AB negativo, entregá-las a um doutor também russo que mata as vítimas para dar partes de seu corpo ao marido do cara que sequestra as mulheres. É que o cônjuge do raptor se encontra à beira da morte em virtude de um câncer de pulmão. Coincidência das coincidências, foi um dos coroinhas molestados pelo padre vidente. É por isso que o padre tem as tais visões: por causa de seu crime, criou uma conexão com o coroinha, desenvolvendo até o mesmo tipo de câncer que o matará no final.

Dá pra acreditar?

Gente... Fico imaginando o que passou pela cabeça dos roteiristas. Em primeiro lugar, o vidente ser um padre pedófilo é quase sem propósito. Se os autores achavam que isso enriqueceria o drama de Scully, enganaram-se (na minha humilde opinião). Ele a incomoda porque é um pedófilo. Poderia ser um pastor, um budista, um ateu - Scully sentiria o mesmo repúdio. O conflito entre fé e ciência que sempre houve em Scully é mais bem retratado na trama secundária do filme, no embate que se estabelece entre ela e o padre que administra o hospital onde Scully agora trabalha. Disse acima "quase sem propósito" porque pode haver a finalidade de atacar a Igreja Católica. Ainda que isso seja verdade, não é o que filme se propõe, então a crítica sai mais do que pela tangente porque superficial e desnecessária.

Em segundo lugar, por que os russos são os inimigos? O que é isso? Saudades dos tempos da Guerra Fria? Só os russos poderiam ser capazes de realizar experimentos como aqueles? Ah, por que não jogaram uns alemãezinhos só para dar mais tempero também?

Em terceiro lugar, que coisa absurdamente grotesca essa ideia de costurar cabeça em um outro corpo. O risível é que parece ser sempre corpos de mulheres. O cara tem um amante homem, mas quando vai salvá-lo dando-lhe outro corpo, escolhe o de mulheres. Anda tendo dúvidas acerca de sua sexualidade, camarada Dacyshyn?

Em quarto lugar, tudo isso é RIDÍCULO!

Esses são os defeitos gritantes do roteiro. Há os menores, que se tornam inconsequentes em face dos que acabei de elencar, mas que também são irritantes. Vamos a eles.

Primeiro, Scully é quem convence Mulder a ajudar o FBI. Apela para a solidariedade dele, dizendo que, há alguns anos, poderia ser um deles que estivesse desaparecido e precisando de auxílio. Depois, ela se enerva com o que encontra (o padre pedófilo e toda a sordidez de seus crimes) para, mais tarde, simplesmente desistir. O caráter de Scully e a compaixão pelo próximo que é uma de suas características não permitem isso. Aliás, esse desejo de parar enseja o rompimento da relação com Mulder, o que acaba por revelar o verdadeiro intuito dos autores: criar um conflito entre as personagens.

Segundo, o que são aquelas insinuações de um interesse velado da agente Whitney por Mulder? Elas não acrescentam coisa alguma. Todos nós sabemos que Mulder ama Scully.

Terceiro, Scully é uma patologista. Desde quando começou a realizar operações como se fosse uma neurocirurgiã?

Quarto, há coincidências e mais coincidências. Scully acha por acaso as explicações para os raptos enquanto pesquisa o tratamento para um paciente, Mulder acha por acaso o local onde o cara russo compra o tranquilizante, Scully e Skinner acham por acaso umas caixas de correio onde estará a correspondência do médico russo. Em outras palavras, não são coincidências, mas soluções cômodas.



O que se salva no filme é o que sempre foi meu motivo de ver a série: o relacionamento de Mulder e Scully. Eu Quero Acreditar nos mostra que continuaram juntos, mas que nada é um mar de rosas. De qualquer forma, foi bom vê-los dividindo a mesma cama, conversando como o casal que são. Por mais que Pablo Villaça do Cinema em Cena questione o fato de ainda se referirem um ao outro pelo sobrenome, isso não me incomodou. É mais uma idiossincrasia que os define.

Apesar dos pesares, Carter & Spotnitz ainda deram alguns presentes aos fãs. Foi divertido ou doloroso ver certos acenos à história da série: os lápis enfiados no teto do escritório de Mulder (passatempo dele quando está entediado), a menção à Samantha (irmã de Mulder) e ao William (o filho de quem Mulder e Scully tiveram de abdicar). A cena que vem após os créditos é uma boa surpresa.

No fim, restou a mensagem: deixem Mulder e Scully em paz. As coisas têm um fim mesmo. E é melhor quando o fim é digno.



p.s.: Uma surpresa agradável foi a resenha de Roger Ebert, outro crítico de cinema do qual gosto muito. Não é que ele gostou do filme? Adorei o comentário dele sobre Mulder e Scully. Traduzindo sem compromisso, disse que "eles ainda se amam, mas ainda continuam sem acreditar que dão certo como um casal. Ou devo dizer que querem acreditar?"